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為什麼現在的電影中沒有人情味瞭?

人活在世上,總要追求些什麼。

隨著經濟的發展,大傢的物質生活水平越來越高瞭,精神文化領域也逐漸豐富瞭,但人們的內心也空虛瞭。

為什麼會有這種空虛感?因為社會失去瞭人情味,大傢的相處與玩樂更像是臨時的尋樂,沒有“情”作為依托。

以電影為例,我們會反復看以前的經典老電影。

可現在的電影上映後卻連電影院都懶得進,因為老電影裡的情是真實的,有人情味,有匠人精神。

如《英雄本色》中小馬哥的情義,《縱橫四海》中三人行的友情,《獨自等待》中尋找真愛的愛情,《那山那人那狗》中父子互相認識的親情。

現在的電影裡的情是虛假的。

即使片中表現得很深情,依然充滿瞭商業氣息,隻是為瞭從觀眾兜裡掏錢的虛情假意。

當一部電影失去瞭情,便很難與觀眾產生共情,觀眾也就失去瞭喜愛之情。

可為什麼現在的電影中的情缺失瞭呢?

作為觀眾,我們已經很難從近十年的國產電影中感受到人情味。

想要弄懂這個問題,得先認識中國電影史,不同時期,不同的歷史節點,電影都承載著不同的主義。

張石川和鄭正秋是中國電影的活化石,他們讓電影不止是賺錢的工具。

之後電影就有瞭兩大重要作用,社會價值和精神價值,這兩點革命性的改變對華語電影的影響一直從20年代延續到現在。

30年代,電影小組引領的左翼電影運動開啟瞭中國電影的第一次百花齊放。

電影小組由五個人組成,瞿秋白任組長,展開一瞭一項以電影為武器的運動,同時特革新瞭中國電影。

在夏衍、田漢、聶耳、魯迅、瞿秋白等人的推動下,那時的中國電影誕生瞭《馬路天使》、《風雲兒女》、《神女》、《漁光曲》等經典之作。

之後抗日戰爭爆發,中國電影大都以國防電影為主。

抗日民族統一戰線上能看見許多文藝工作者的影子,陽翰笙、蔡楚生等人都在用自己的方式救國救民。

一批批諸如《狼山喋血記》、《壯志凌雲》、《十字街頭》等作品出現,以此來批評落後,激勵民眾抗日。

解放戰爭時期也不乏費穆的《小城之春》、沈浮的《萬傢燈火》等藝術片和現實片。

直至新中國成立後樣板戲成瞭主流,十年動亂時期,其實國內也有電影,隻是目的性過於明確而已。

進入八十年代,大陸一片反思之潮。

第五代導演帶來瞭新的電影風格,尋根、迷茫、思索,民族性、文化性,未來到底在哪裡充斥在他們的作品裡。

如陳凱歌的《黃土地》,大膽的攝影和構圖,對民族未來的深切憂慮和期望,具有強烈的視覺沖擊力和文化象征意味。

還有張藝謀的《紅高粱》顛覆瞭以往國產電影的敘事邏輯。

以色彩的不同變化來推進劇情的發展,以及人物思想和行為的轉變。

電影最後一幕,張藝謀將鏡頭調轉直視太陽,而後整個畫面成瞭血紅色,這種大膽的嘗試在觀感上太震撼,也有憤怒、發問和期望的象征。

到瞭90年代後期,第六代導演崛起。

他們生於動亂時期,成長於改革開放,成名於世紀之交或千禧年頭十年,所以他們對中國的變化有著更透徹的認識,思想和價值觀也更加割裂。

這些影響都烙在瞭他們的電影當中,也導致他們的電影比較現實主義。

片中不止是大城市的燈紅酒綠,還有小縣城的掙紮和落後,以及城市中不起眼的底層生活。

如賈樟柯的《小武》拋出瞭一個疑問,在時代發展中那些跟不上時代的人他們將如何生存。

這一時期,百姓電影也如雨後春筍。

路學長的《卡拉是條狗》道出百姓困境,張揚的《落葉歸根》說出中國人怎麼不快樂瞭。

以及《看車人的七月》、《耳朵大有福》、《心急吃不瞭熱豆腐》等片,隻是這種百姓電影已經絕跡瞭。

從上世紀20年代到新世紀頭十年,電影都有使命。

不論是哪一個階段,也不管電影的資方是港資還外資,電影是工具還是藝術,都沒有脫離一個“情”字。

親情、友情、愛情,傢國情,出發點皆是透過電影輸出一種價值。

這一階段的電影是精英主義的遊戲

以前的精英以推動社會,思索未來為主,他們大都有傢國情懷,也深知國仇傢恨。

之後的精英思想割裂,總感覺自己高人一等,所以他們的電影中往往存在一種富貴人傢的調侃,有種與民同樂的觀感。

但這種黑色幽默至少還是以中下層為主,沒有脫離底層,雖不如以前的精英先憂而憂,但最起碼做到瞭你爽我也樂。

可隨著中國電影的商業模式逐步完善,國產電影中的情就變少瞭。

尤其是華語第一部10億票房的電影《泰囧》,第一部票補電影《心花路放》,以及徐崢讓電影金融產品化後,讓大傢看到瞭電影的無限可能。

這個時候,電影已經不再具備社會價值和精神價值瞭,隻剩下一個“利”字,所謂無奸不商,商人眼中隻有利益,沒有國與傢。

凡是電影都以賺錢為主。

不管電影好壞,也不理觀眾是否喜歡,隻要能賺錢,賺大錢,那就是一部好電影。

而像20年代那樣讓電影有社會價值和精神價值的電影隻有主旋律電影瞭,這也需要官方引導才可以,但這種比較純粹的情卻也被很多人嫌棄。

當然,這不僅僅與電影本身有關。

觀眾自身的思想更開放瞭,也認識瞭不同的主義,便對任何事物開始兩級反思。

這種思潮讓主旋律電影被嫌棄,文藝片被討厭,同時也不喜歡商業片的俗氣,喜劇片的鬧騰。

這也不喜歡,那也不喜歡,模糊不清中,資本也不知道觀眾到底喜歡什麼瞭。

索性不討好觀眾瞭,給他們喂什麼,讓他們吃什麼,觀眾的審美也就在潛移默化中被降低瞭,資本賺錢更方便瞭。

如2013年的《天機·富春山居圖》,2014年的流量時代來臨後的流量電影,爛演技、爛質量、爛粉絲,無絲毫可取之處。

盡管2017年吳京的《戰狼2》改變瞭國產電影以劣幣驅逐良幣的畸形現象。

但後來者卻再也不會有像《那山那人那狗》這樣充滿瞭人情味的電影瞭,《戰狼》系列,《你好,李煥英》皆如此。

雖然片中的傢國情依舊讓人有共鳴,可片中的那種情總讓人不得勁兒。

總感覺他們把“我就是要高票房”幾個大字明晃晃地寫在瞭腦門上,連掩耳盜鈴的掩飾都不想裝。

《戰狼》系列,《你好,李煥英》好歹還有一個情的外衣。

可像《十年一品溫如言》《我是真的討厭異地戀》這類影片,連面具都懶得戴瞭。

直接告訴觀眾,“我就是爛片,你趕緊打錢,我隻有一小時哦”,渾身上下充滿瞭銅臭味兒。

本來這個以利為主的大勢有改變的趨勢,可疫情三年,經濟下行,電影都快完犢子瞭。

為瞭續命,之後的電影不僅不會再繼續改變,反而會更加變本加厲的圈錢,這種局面最少得維持五六年。

其實,這也不是中國電影的一傢之事,國外也是這種現象,漫威的大行其道便是最好的證明。

電影似乎回到瞭剛被發明的那個時候。

19世紀末愛迪生發明瞭電影放映機,之後盧米埃爾兄弟改進瞭放映機,電影自此誕生。

最初電影就是賺錢的工具,沒有什麼藝術價值,那時的電影人也沒什麼藝術追求,隻要觀眾喜歡,可以賺錢就行。

到瞭後來,電影才慢慢有瞭藝術性。

中國也是,盧米埃爾兄弟發明瞭電影半年後就將電影帶到瞭上海。

那時的電影還被叫做西洋影戲,經過一批藝術傢的本土化,華語電影誕生瞭。

可現在電影又成瞭影戲,不知道什麼時候才能變回電影,這一天到底在哪裡?

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